잘 읽을 수 있는 문자가 기능과 효율성을 담당한다면, 잘 읽을 수 없는 문자는 쪼개지고 변형되고 파편화됨으로 인하여 오히려 ‘효율적이거나 기능적이지 못함’을 지시하는 기표가 될 수 있을 것이다. 전시는 육아를 시작하게 된 작가가 처하게 된 ‘업무를 수행할 수 없고’, ‘작가로 활동하기 어려운’ 상황을 “문자의 바깥”으로 비유하며, 이를 미술언어를 통한 대안적 공간으로 제시한다. 누르는 버튼, 밟는 매트, 옮기는 모형, 접는 종이 등 육아 경험과 연관되는 촉각적 요소들은 문자와 언어, 즉 효율적 정보전달 체계와 동시대 담론 속에서 놓치기 쉬운 일상적 감각들을 환기한다. 작가는 탈-기능화된 문자들의 조형언어를 통해 기능성과 효율성으로 대변되는 지배적 가치체계에 질문을 던지고, 체계 바깥의 주체들과 문자화되지 않은 존재방식들로 사유를 확장하고자 한다.
벽을 치는 타이프라이터의 활자 장치, 바닥과 천장 그리고 여러 벽들로 향하는 관들, 몇 개의 모스부호의 신호가 설치되어 있다. 서로 연결점이 있는 것도 아닌 것도 같이 설치된 공간의 모습은 한 이야기 구조와 관계가 있으며, 이것들은 내레이터의 음성과 사운드에 의해 점점 드러난다.
설치와 연핵심적 영감
카프카는 편지가 오지 않으면 악마가 편지를 붙잡아 놓았다고, 실제로 만나기로 했을 때는 만남의 불안으로 인해 그 자신이 그녀가 있는 곳으로 가는 통로에 내던지고 그러나 그곳이 아닌 암벽에 부딪히게 되고 그래서 새 통로를 다시 파야 된다고 한다. 그렇게 집착하던 편지에 대해 깊은 회의를 느낄 때는 “편지가 나를 항상 기만했습니다. 그것도 나 자신이 쓴 편지 말입니다. 손쉽게 편지를 쓸 수 있는 가능성은 틀림없이 ―다만 이론적으로 볼 때 ―영혼의 섬뜩한 혼란을 세상에 가져온 것임이 틀림없습니다. 그것은 유령과의 교신인데, 그것도 편지의 수신자로서의 유령과의 교신일 뿐만 아니라 자기 자신의 유령과의 교신이기도 합니다.”라고 말한다. 또한 “편지에 쓰인 키스는 보내질 장소에 도착하지 못하고, 유령이 도중에 홀딱 마셔버리는데, 편지를 마셔버린 유령들은 엄청나게 불어나게 되고 인류는 이것에 대항하여 철도며, 자동차며, 비행기 따위를 발명하였으나 그 반대편은 훨씬 강력해져 우편 다음에 전신 전화, 무선 전신 등을 발명해 냈고 결국 인류가 몰락할 것”이라고 말한다.
설치와 연출
작품의 설치는 타이프라이터에서 활자를 치는 부분만을 떼어내어 만든 기계로 시작된다. 이것들은 큰 사이즈로 알파벳 숫자에 맞춰 제작되었고 각 알파벳은 프린트되는 것이 아니라 벽에 구멍이 나도록 사방의 벽을 친다.
실제로 전시장의 벽을 깨지는 않지만, 벽 안에 통로로 연결된 것 같은 공기압 우편통 구조를 시각화한다. 이것들은 카프카가, 밀레나와 만남에 대한 불안에서, 그녀에게 가는 통로에 내던져지고 ‘출발하지 마세요’라는 신호를 받고 굴을 파 돌아가고 다시 다른 곳을 새로 파야 한다는 바로 그러한 굴과 같은 통로이기도 하다. 작가의 상상에서는 이 굴은 우주 공간에 있을 만한 웜홀(wormhole)처럼 시간을 뛰어넘을 수 있는 통로이기도 하다.
이러한 설치에 카프카가 밀레나에게 쓴 편지의 발췌와 그것을 기초로 하여 본인의 상상이 첨부된 이야기, 즉 카프카 그 자신이/그 자신의 유령이 우편물의 통로에 들어가게 되어 밀레나를 찾아 시공간을 알 수 없는 세계를 부유하는 내용이 내레이터에 의해 펼쳐진다.
타이프라이터 장치와 편지 통로들의 공간 설치, 모스 코드를 전달하는 아주 작은 LED의 빛은 이들 장치의 기계 소리, 내레이터의 음성, 음악과 함께 기괴한 무대장치가 되고 그 자체가 카프카/그 자신의 유령이 이끄는 하나의 드라마를 연출한다.
이 기획은 올해 2월 집 앞인데도 잘 가지 않던 도서관에서 우리말 의성어 사전을 보다가 발견한 ‘푸하하’로부터 시작되었다. 평소 SNS에서 약자로만 자주 사용하던 푸하하가 어엿하게 사전에 올라 있는 말임을 알았을 때 반가움에 눈을 빛내며 내게 큰 웃음을 준 사람들을 떠올렸다. 그들이 웃음을 일으키며 전달했던 이야기들은 재미있게 포장된 슬픔이거나 어려움 들이었다. 그런 내용을 지친다거나 지겹다는 느낌 없이 들을 수 있었던 이유가 뭘까 질문하며 유머가 있는 작품들을 모아서 소개할 궁리를 하게 되었다. 리서치 방향은 유머를 말할 때 흔히 따라붙는 풍자가 들어 있지 않은 작품을 찾는 쪽으로 흘렀다. 상대를 비웃거나 과장하며 자아내는 웃음보다 자기 형편을 꼼꼼하게 살피며 속마음을 용기 있게 드러낼 때 터지는 웃음이 더 크고 상쾌했던 경험 때문이었다. 한 심리학자가 연구한 대로 행복이 생존에 필요한 도구이고 행복을 표현하는 한 방식이 웃음이라면 불쾌한 웃음보다 상쾌한 웃음이 지난한 과제를 풀며 사는 인생에 더 도움이 되겠다는 생각도 있었다. 다 같이 웃게 되는 행복한 순간들을 자주 만들어서 서로 오래 미술을 하며 살고 싶은 마음으로 이 전시를 오픈한다.
김정은(기획자)
김다겸 Kim Dakyum 연극적 태도를 중요하게 여기며 작업하는 김다겸은 자신의 작품을 과잉된 감정으로 가득 찬 시나리오에 비유한다. 그런 감정들에 어울리는 매체와 재료를 선택하고 규칙을 만들고, 과거와 현재를 섞어서 필요한 요소를 꺼내 이야기가 잘 전달될 수 있는 방법과 좀 더 가깝게 이해 받을 수 있는 방법을 연구한다. 앎과 삶을 위해 작업한다.
<달리기 – 짐 하인스를 위하여> Running – For Jim Hines SD 비디오, 투 채널, 02:48, 2015 최초로 100m 달리기 공식기록 10초의 벽을 넘은 육상 선수 짐 하인스(James ‘Jim’ Ray Hines)에 대한 정보를 추적하며 든 생각과 어릴 적 달리기를 하며 든 마음에서 비롯된 작업이다. 카메라의 타이머를 10초에 맞추고 셔터가 눌리는 동시에 수행자가 달린다. 달리는 수행자가 10초 안에 100 미터를 완주하지 못하면 10초를 기다린 카메라가 셔터 소리를 내며 수행자를 찍게 된다. 수행자는 카메라에 찍히지 않을 때까지 달리기를 반복한다. 영상은 출발선과 결승선 양쪽에서 달리는 수행자를 촬영한 기록이다.
김다겸 + 박노완 Kim Dakyum + Park Nohwan
<프레카리오 시티> Precario City 혼합재료로 만든 보드게임, 가변크기, 2023 불안정 노동 무산계급을 뜻하는 프레카리아트 precariat는 프레카리오 precario와 프롤레타리아트 proletariat를 합성한 신조어이다. 이중에서 precario(이탈리아어: 불안정한)를 도시의 이름으로 정했다. 세계관과 플레이에 필요한 조건, 규칙 들을 만들어 관객과 마스터, 혹은 관객들끼리 서로 즐길 수 있는 보드게임 형태를 갖추었다. 게임 안에서 플레이어들은 돈을 벌고 차와 집도 사고 예치이자와 빚도 낼 수 있다. 그러면서 체력과 병을 얻기도 하고 마음과 성향을 조절하며 능력도 쌓아야 한다. 이 도시는 과거의 폐허 속에서 예술을 인생의 중요한 가치로 두는 세계이며, 어떻게든 예술과 관련된 무언가를 행하며 살아야 하는 생존 게임의 장이다. 2인전을 계기로 두 작가가 협업하여 만들게 되었다.
기비안 KIBIAN 역사, 문화, 지리적 은유 및 구전 전통 등 장소에 축적된 이야기 재료를 모아 자신의 이야기와 뒤섞는 작업을 한다. 정체성을 구성하는 것, 유무형의 인류지식이 지구 위를 순환하는 것 등에 관심이 있으며, 신체가 물리적으로 존재하는 시대와 장소 그리고 신체의 이동을 창작의 가장 큰 동력으로 삼는다. 예술과 관객이 만나는 지점에 의문을 가지고 화이트 큐브를 벗어난 커뮤니티 작업, 연극, 다큐멘터리, 장애 예술, 공공 참여 프로젝트 등으로 영역을 확장해 왔다.
Nach em Rääge schiint d’Sunne <나흐 엄 라긔 슈인 쭌터> DV 6mm, 03:10, 2003 신문으로 스위스 전통의상인 트라흐트를 만들어 입고 알프스 산맥에 자리한 그림 같은 마을 그슈타드 Gstaad를 배경으로 촬영하였다. 작가가 그슈타드에서 6주간 머물던 갤러리에는 매일 지역신문이 배달되었다. 스위스 말을 모르는 작가는 이 신문을 몸에 걸치고 나가 행인들에게 기사를 영어로 얘기해 달라고 하였다. 기념품 가게에 진열된 스위스 전통의상 트라흐트를 본 날, 트라흐트와 이방인인 자신이 쇼윈도 유리에 겹쳐 비치는 걸 보며 알고 있지만 떠올리지 않는 것들, 존재하지만 기억되지 않는 것들에 대해 생각하며 작품을 구상하게 되었다. 영상에 흐르는 음악은 제2차 세계대전 직후 사람들에게 희망과 위로를 주기 위해 만들어진 요들(스위스 민요)이다. 작가는 이 노래의 속도를 달리하여 15개 트랙을 만들고 뒷목 언저리에 매달린 CD 플레이어로 노래를 들으면서 빠르거나 느리게 립싱크를 한다. 그로 인해 표준속도로 편집된 영상의 배경은 제멋대로 움직이고, 종이 옷을 입고 노래하는 주인공은 모호한 존재가 되어 떠돈다.
아자니스 찰리 Ajahnis Charley 흑인이며 논바이너리 코미디언이다. 세계에서 가장 큰 코미디 페스티벌인 Just For Laughs에서 코미디계 신예로 소개되었으며 코미디언을 위한 글을 쓰고 방송용 코미디 시리즈를 위해 스토리 에디터로도 활동했다. 캐나다 국립영화 위원회 The National Film Board가 제작지원한 이 작품은 찰리의 감독 데뷔작으로 인사이드 아웃, 캐리비안테일즈 같은 국제 영화제에서 상영되었다.
<나는 게이입니다> I Am Gay HD 비디오, 10:00, 2020 5년 동안 외국에서 활동하던 아자니스가 코비드19로 온 세계가 극심한 공포에 빠진 시기에 격리를 위해 캐나다 오샤와에 있는 집으로 오랜만에 돌아온다. 아자니스는 집에 있는 동안 자기에 관한 진실 하나를 가족에게 밝힐 계획을 세워 두고 있다. 아자니스가 세 형제들을 비롯하여 어머니와 나누는 대화에서 가족에게 바라는 점을 엿볼 수 있다.
커스틴 존슨 Kirsten Johnson 커스틴 존슨은 어느 한 쪽은 성공하겠지 생각하며 미술과 연기를 모두 공부하기 시작했다고 한다. 10대에 이미 전문 초상화가로 일했고 오필리아 역을 맡아 8시간 동안 햄릿을 공연하기도 했다. 대학교에 입학해서도 컬렉터가 있는 화가와 배우로서 활동을 계속하다가 미술, 퍼포먼스, 연출뿐만 아니라 애니메이션까지 전부 동원하여 정체성과 개인적 탐구를 주제로 단편 영화를 여러 편 만들었다.
<나는 변화가 싫어요> I Hate Change 디지털 테이프, 18:40, 2013 커스틴 존슨의 작업실이 있는 건물이 콘도 개발업자에게 넘어갔다. 13년 동안 사용하던 작업실에서 25일 후에 퇴실해야 하는 존슨은 애니메이션과 변신, 즉흥 연기 들을 동원하여 빠른 전개 방식으로 하루하루 달라지는 심리 상태를 기록한다. 변화에 집착하는 도시에서 미술가로 사는 문제를 돌아보며 25일 동안 구상하고 글을 쓰고 촬영하면서 25가지 슬픔의 단계를 경험했다고 한다.
브라이언 코네프스키 Bryan Konefsky 미국 뉴맥시코 앨버커키에서 살며 작업한다. 국제 실험영화 페스티벌인 Experiments in Cinema international film festival 디렉터이자 미국에 몇 개 남지 않은 1세대 소극장 영화 상영프로그램인 베이스먼트 필름 Basement Films 대표이기도 하다. 미국, 러시아, 세르비아, 스페인, 모로코, 독일, 쿠바, 아르헨티나에서 실험영화를 내용으로 한 강의와 전시를 한 바 있으며 여름마다 한국을 방문하여 동국대학교에서 강의하고 있다
<원하는 대로: 국내테러 대비훈련> Have It Your Way: an exercise in domestic terrorism HD 비디오, 04:06, 2017 한 사회에서 테러리즘이 작동하는 방식을 소비자와 패스트푸드 관점으로 살펴 본다. 맥도날드와 버거킹에 드리운 자본주의 책략이 게릴라식 공격으로 보이는 개입에 어이없이 뒤틀린다.
브라이언 자니스니크 Bryan Zanisnik 미국 뉴저지 유니온에서 태어나 지금은 뉴욕과 캐츠킬 산맥을 오가며 살고 있다. 부조리한 요소를 넣은 비디오, 공연, 설치, 사진을 제작하여 자전적 이야기와 사회 문제를 함께 다룬다. MoMA PS1과 브루클린 뮤지엄 등 유수한 미술 공간에서 전시와 퍼포먼스를 이어가고 있으며 Art21 다큐멘터리 시리즈 뉴욕 클로즈업에 소개되었다.
<밧줄 너머> Further From Rope SD 비디오, 02:56, 2009 겉보기에는 아버지가 실종된 아들을 찾는 단순한 이야기이다. 실제로 작가의 아버지인 중년 남자는 연장코드를 연결한 가정용 램프를 들고 늦은 오후에 아들을 찾아 집을 나선다. 이웃들 집과 거리를 지나 캄캄한 숲속에 다다른 아버지 뒤를 집안 콘센트와 램프를 연결하는 선들이 줄지어 따른다. 이 모습은 아들을 찾으려는 아버지의 진심과 맞물리며 긴장감을 자아낸다.
즈비안 Zviane 몬트리올 교외 도시 롱괴유에서 태어났다. 만화가이면서 몬트리올 대학교에서 작곡을 전공한 음악 선생이기도 하다. 2004년 이래로 즈비안이 창작한 그래픽 노블과 만화책이 평단과 대중으로부터 호평을 받으며 퀘백에서 대단한 인기를 누리고 있다.
<순수한 어린 시절> Sweet Childhood HD 비디오, 03:30, 2017 이 작품에는 두 내레이터가 등장한다. 즈비안의 현재 목소리와 어릴 적 목소리이다. 어릴 적 목소리는 실제로 30년 전에 녹음되었다. 즈비안이 이사를 하려고 짐을 싸다가 우연히 발견한 오디오테이프에 이 목소리가 실려 있었다. 어른 즈비안이 다양한 기술을 적용하여 천진난만한 아이의 드로잉처럼 보이게 만든 이미지들과 어린 즈비안이 이해한 세상을 들어볼 수 있는 이야기가 결합되어 그야말로 순수했던 어린 시절을 보여 주는 단편 애니메이션이 탄생했다.
전시는 결혼과 동거 사이의 생활 속에서 형태의 불확실성을 느끼고 거슬리는 일상의 순간들을 마주한 과정을 담는다. 부유하기 상태에서 한 쪽을 선택하기보다 그 사이를 헤엄쳐 보기로 하면서 결혼하거나 동거의 상태에 있는 여성들에게서 소음, 타협, 불협화음, 조율을 전해 듣는다. 모호하게 경계 위에 놓인 것이 살아감을 더디게 하고 작가로서의 자신을 삐걱거리게 하는 상태가 아니라 같음을 통해 다름을 찾고, 다름을 통해 비슷함을 받아들이는 유연한 상태임을 말한다. 전시를 통해 동거는 소음, 타협, 불협화음, 조율과 기꺼이 살아간다는 의미로 다름의 고유한 시간을 함부로 경계 짓지 않는, 어떤 또 다른 방식의 사랑의 마음이자 모두가 다른 모양의 집을 구축할 수 있는 삶의 태도로 현시된다.
<사랑하는 우리의 머리카락> 2022, 머리카락 설치 후 사진기록, 타일에 인쇄
나와 파트너는 같이 살고 있지만 혼인신고는 하지 않기로 했다. 결혼과 동거의 중간 즈음에 속하는 사이에서 ‘우리’가 되고 싶기도, ‘너와 나’로 남고 싶기도 했다. 이러한 모순된 감정을 지속적으로 느끼며 화장실에서 머리카락으로 서로에게 4달간 메시지를 남겼다. 머리카락은 사랑의 언어에서 불편감의 언어로 그리고 다시 사랑의 언어로 반복해서 사라지고 나타난다.
<커튼> 2021, 페브릭에 인쇄, 5장의 사진기록, 영상, 1분 51초
혼인신고를 하지 않고 동거하는 여성들과 그들의 동거 경험을 대화했다. 대화의 내용 은 커튼으로 제작되었으며 그 중 하나는 작가의 것으로, 각각의 여성 집의 거실에 설치 후 촬영되었다. 외부를 가리는 용도인 커튼은 동거하는 여성들의 개인의 상황이 사회적으로 노출될 때 그들이 느끼는 지점들을 반영한다.
*커튼 중 한 여성은 자신의 커튼이 전시장에 걸리기를 원하지 않았고, 여닫는 영상 이미지 에 동의했다.
<결혼 생활> 2022, 5개의 식탁보 위에 글씨
혼인신고 통해 결혼생활을 하고 있는 여성 지인들을 만나 그들의 집 식탁에서 대화를 나누었다. 우리는 이 시간 동안 고민과 공감 그리고 차이점에 대해 대화하며 함께 식탁보에 흔적을 남겼다.
<둘> 2024, 사진, 10.2 x 15.2 cm 6개
비슷하기도 하고 다르기도 한 모습들에 대한 기록이다.
<친밀한 탱고> 2022, 투채널 영상, 3분 33초
나와 파트너는 서로에게 한 번도 요구한 적 없는, 생물학적 성별에 따른 사회 가 정한 의무를 지닌 채 살아가고 있다는 사실을 알았다. 개인의 몫을 해내고 있음에도 기생 하고 있는 것만 같은 상황과, 책임져 달라고 말한 적 없는 상대방을 책임져야 한다는 마음에 대한 이야기를 출발점으로 시작했다. 탱고는 팀워크가 필요한 춤이지만 주로 남성에 의해 리드되고 여성은 이를 따르는 팔로워의 역할을 맡는다.
<나의 집들> 2024, 타프 설치, 3개의 오브제, 영상, 6분 45초
내가 선택한 세 가족은 모두가 함께 살지 않는다. 나는 가족이라는 단어를 집단 의 형태보다 관계로서의 의미에 무게를 두고 애정과 불편감을 동반한 나의 집들을 기록했 다. 상황에 맞게 가변될 수 있는 타프는 나를 중심으로 맺는 관계에 따라 구성되는 방식과 형태가 달라짐을 보여주는 임시적 장소로 기능한다. 영상 속 배경은 내가 거주 또는 일하는 곳으로 각 대상들과 가깝게 느끼는 장소이며, 세가지 오브제들은 각각, 진수와 내가 서로가 싫어하는 것, 영식의 장난감인 나의 양말과 그의 털에 관한 것, 유나와 내가 주고 받았던 책 과 꽃의 기록 그리고 개인전 축하를 위해 유나가 보내준 꽃으로 이루어져 있다.
이쪽 또는 저쪽에 정확히 속하는 사람의 목소리는 또렷하 다. 그 틈에서 어떤 것도 택하지 못했던 나의 일상은, 바깥 에서 내 방 유리창을 불규칙하게 두들기는 소리를 내며 거 슬리게 했던 알 수 없는 물체를 바라보던 일과 닮았다. 무 엇인지 정확히 알 수 없었기 때문에 찾아서 떼어내 버릴 수 도 내 방을 떠날 수도 없던 나의 태도로 인해 나는 또렷하 게 말할 수 없었고 지금을 살아가는 나, 작가로서의 나 모 두를 미심쩍어하며 부유했다.
의심하기를 멈추고, 사이를 부유하는 상태를 나의 의지적 인 움직임으로 만들기로 하면서 나는 발언을 하기 위한 나 의 분명한 목소리를 찾기보다는 이쪽 저쪽 헤엄쳐 떠다니 며 일상에서 거슬리게 덜컹거리는 소리들을 들었다. 다르 다고 분리했던 곳에서 비슷한 소리를, 비슷하다고 여겼던 곳에서 어긋나는 소리를 들으며 많은 것이 사실은 경계 위 에서 모호하게 부유하고 있음을 느꼈다. 둘로 나뉘는 경계 가 무의미해지고 분명한 선택은 불필요했다. 나는 한쪽에 만 있었다면 들을 수 없던 불분명한 것들을 모아 내 방 유 리창을 불규칙하게 두들겼던 그 물체들을 눈앞에 가져오 려고 했다. 그 물체들의 구현은 내가 경험한, 그리고 이쪽 과 저쪽에서 만난 이들에게 전해 들었던 소음, 타협, 불협 화음, 조율이 가지는 의미와 가능성에 의지한다. 소음, 타 협, 불협화음, 조율 – 자의로 기꺼이 이것들과 동거하며 살 아간다는 것은 다른 삶의 방식들을 내 옆에 두며 내가 알지 못하는 고유한 시간들을 함부로 경계 긋지 않는, 어떤 또 다른 방식의 사랑의 마음이라고 여긴다.
‘요즘미술’은 작가 중심으로 이루어진 공간으로 현재 언저리 시간에서 살아가는 이야기를 다루는 예술가들이 전시하고 연구하고 교육하는 곳입니다. ‘요즘미술’의 전시는 특이한 재능보다 특별한 태도를, 완결된 작품보다 진행형 작업을 귀하게 여깁니다. 최신을 좇는 조급한 마음보다 느릿하더라도 요즘 고민들을 풀어놓고 섬세한 감각과 날카로운 시선을 지닌 작가들의 프로젝트를 존중하는 전시공간이 되고자 합니다. ‘
요즘미술’의 시작을 열어줄 박용석, 오인환, 이미혜 작가는 이러한 요즘미술의 방향성을 공유합니다. 2000년에 처음 만난 세 작가는 사회와 예술 현장을 동시적으로 감격하고 분노하며, 서로의 생활과 작업을 지적하고 흠모하면서 감화해 왔습니다. 이번 개관전은 작가로서 서로에게 ‘안녕’을 물으며 각자의 작업 태도와 방향을 엮어 봄으로써 ‘요즘미술’의 방향을 함께 엿보는 자리가 될 것입니다.
이미혜 Meehye Lee <국민알파벳-d>_현수막 원단에 UV-print, 사진 촬영용 배경지 거치대, 사진 촬영 조명, 디지털 프린트, 동영상_가변크기_2022(2024 요즘미술 버전)
대체 이 d는 무엇인가? 왜 하필이면 d인가? ‘d’는 디앤디파트먼트 제주(d&department JEJU)의 건물 외벽에 그려진 로고다. 2022년 당시 제주도에 가면 이 ‘d’ 앞에서 인증샷을 찍어 SNS에 올리는 것이 국룰이었다. 알파벳 소문자 ‘d’가 그려진 회색의 시멘트벽 앞에서 사진을 찍기 위해 줄을 서서 차례를 기다리는 것도 흥미로웠지만, 셀 수 없이 많은 사람이 하나의 촬영 지침을 따르기라도 한 듯 유사한 구도와 포즈, 분위기를 연출하고 있다는 점은 더 놀라웠다.
“National-d”는 남들이 다 가는 곳에 나도 가서, 남들이 다 본 것을 나도 보고, 남들이 다 한 것을 나도 했다’는 집단적인 행동 패턴을 가시화한 작품이다. ‘d’가 그려진 디앤디파트먼트 제주의 외벽과 바닥을 촬영하고 프린트해서 만든 포토 스튜디오와 인스타그램에서 다운로드한 사진들, 인생샷 십계명, 그리고 디앤디파트먼트 제주 현장을 기록한 동영상으로 구성된다.
이 작품은 2022년 독일 라이프치히 현대미술관(GfZK Leipzig)에서 처음 전시되었는데, 4개월의 전시기간 동안 그곳에서 촬영된 가짜 ‘d’들이 한국의 진짜 ‘d’들 사이로 잠입해 미세한 균열을 일으키는 방식으로 소셜 미디어에 의해 야기되는 집단주의 문화를 교란시키고자 했다.
박용석 PARK Yong-seok <소녀상>_책_190x235cm(10권)_2014-2023(제작 2024)
나의 사진에는 조각이 등장하지 않는다. 이 작업은 두 가지 전제에서 시작된다. 첫째, 조각을 예찬하는 작업이 아니고 둘째, 존재를 부정하는 작업이 아니다. 만약 사진 속에 조각이 있었다면 어떠한 역경 속에서도 변하지 않는 조각의 모습에 안도하는 작업일 것이고 만약 조각을 부정하고자 했다면 수고롭게 오랫동안 규칙적으로 찍을 이유가 없을 것이다. 나는 대신 두 가지 풍경에 시선을 안내한다. 첫째, 조각 주변에 남겨놓은 목도리, 인형, 꽃 등의 사물이다. 그것은 미안함, 분노, 위로 등 사람들이 느끼는 감정들을 대변한다. 둘째, 푯말, 지킴, 시위, 다툼 같은 활동들이다. 이것은 이념, 젠더, 환경, 정치 등의 사회문제가 갈등하는 현장임을 확인하는 것이다. 그렇게 매주 10년간 사진을 찍는 작업은 현재 우리의 모습을 찍은 과거들이다. 사람들이 ‘소녀상’이라고 부르는 것은 <평화비>의 제목을 정확히 모르고 조각의 소녀 이미지 때문에 그렇게 불리어졌을 것이다. 나는 사람들이 없지만 있는 어떤 ‘소녀상’을 호명한다면 그 대상이 우리의 어떤 모습들이기를 바라는 마음에서 사진 제목을 <소녀상>이라 하였다.
박용석 PARK Yong-seok <칭찬달력>_달력에 스티커다양한 크기_2014-현재 진행중
나는 달력에 스스로 칭찬하는 행위를 했다. 이 달력들은 우연찮게도 <소녀상> 작업을 시작한 해와 겹치는데 이 달력을 보고 있으면 채워진 스티커와 비어있는 날짜들 모두를 통해 ‘살아간다’는 ‘호흡’을 느끼게 한다.
이 작품의 출발은 참여자들이 개인적인 목적으로 사용했던 자신만의 사각지대(장소)를 찾아가는 다수의 안내문들을 하나로 연결하여 ‘사각지대를 찾아가는 종합적인 길 안내문’을 만든 것이다. 그리고 작가는 서울과 로스앤젤레스에서 길 안내문의 지시를 따라서 사각지대를 찾아가는 퍼포먼스를 진행하고, 퍼포먼스의 과정은 작가가 하늘을 향해 들고 다니는 비디오카메라에 의해 기록된다. 동일한 길 안내문을 따라 이동하는 퍼포먼스를 다양한 도시에서 실행할 때 일치 또는 불일치들이 발생할 수 밖에 없다. 변화하는 장소에서 동일한 지시문은 반복하는 퍼포먼스는 달라진 문맥에서 지시문을 해석하는 과정이다. 또한 분명히 존재하지만 도달할 수 없는 사각지대를 찾아가는 퍼포먼스를 반복하는 것은 사각지대 찾기의 의미는 ‘도착’이라는 결과가 아닌 찾기라는 ‘과정’이라는 작가의 해석을 드러낸다.
